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Federica Arcoraci

About Federica Arcoraci

Nata a Padova ma di origini siciliane, quindi terrona al nord e polentona al sud, mi sono laureata in Beni Culturali all'Università di Padova e attualmente laureanda magistrale di Economia e gestione delle arti presso l’Università Ca' Foscari di Venezia. Appassionata d’arte, cinema e letteratura, ma soprattutto di viaggi, per questo sempre a zonzo per il mondo. Vivo tra Barcellona, Venezia e Città del Messico.
    “There Are No Titans & We are Humanity”:  in conversation with Carlos Iglesias

    “There Are No Titans & We are Humanity”: in conversation with Carlos Iglesias

    Carlos Iglesias is one of the most promising international curators in this moment: he lives in Los Angeles with open eyes to see the World. We have talked about his curatorial project Disruptive Canvas and his personal approach in the field of art. For these and many other reasons I decided to interview Carlos and here is what came out of it!

    Let’s start with you: who is Carlos Iglesias? When a brand is founded, it starts to be almost always identified with the brand itself and it’s creations, so I ask you to start by telling me a little bit about yourself instead. 

    Simply put, I have always had a passion for art, to me it represents a part of our shared ancestry. Art is one of our base forms of communication. Before there were systems of writing formulated to communicate thoughts and ideas between people it was the symbology of a shared existence that became buried in our limbic system, that part of the brain that helps to regulate emotion and more. Each one of us processes the visual in our own way, but it is the catalyst of the visual experience that helps to bring us together. Dr. Eric Kandel, the Nobel Prize winning neuroscientist, has explored the assimilation of art into our brains and delved into our modern brains to understand how art has continued the evolution of our minds in relation to our emotional experiences. One of my favorite quotes from him is that, for himself, staring at a Rothko “is almost a religious experience”. Indeed. Though the language of art has shifted from those earliest of works of the Upper Paleolithic Age to our present Post Contemporary world, art is inherently a part of us all with the power to create a new reality within each of us.

    What does being a curator mean to you?

    Well, I do not necessarily consider myself a curator so much as a connector. The job of the artist is to create, to speak for us so that we may have a common dialogue. My job is to bring eyes to the work, to help build a path to a higher level of understanding. The artists I share my experiences with speak the things that I can not say, they push me to understand our world and ourselves better. That is something that makes it necessary, for me, to keep pushing against the flaws of our own existence to show that there are ways to affect change.

    The name Disruptive Canvas means “tela dirompente” in Italian. Describe your curatorial project: Can you tell us about the idea behind the name and how it forms your identity?

    Disruption is a key to creativity. Artists must disrupt their processes and search for how to evolve constantly throughout their careers. I believe people in the art world need to disrupt the current system and find value again in those artists who put the entirety of their minds and souls into great work, work of a historical context. There are enough people chasing shiny objects called art for mass amounts of money. Maybe there is a way, or ways by which to even the playing field a bit…

    Curating as a form of art: some curators of reference, and how they recognize themselves in your projects. 

    Walter Hopps was the Curator of Ferus Gallery in Los Angeles from 1957-1962 and showed Warhol’s first solo show on the West Coast. Hopps was able to bridge East and West Coast artists together whereby the influence of each group upon the other helped to create the “Light and Space” movement of Southern California artists who, in turn, still influence much of the scene in Los Angeles and beyond. I have had the pleasure of working shoulder to shoulder with the academic and curator Peter Frank. Peter’s vast knowledge of music, languages, art and the world in general reiterates to me the need for the unquenchable thirst of knowledge. His touch is precise in his curatorial process and his eye can be both surprising and enlightening, but not in a flashy way. He is a modern classicist unlike any other I know. Peter has the patience and fortitude to carry his encyclopedic knowledge into influencing a vast amount of artists, curators, directors and writers throughout the United States and that in turn has created a new generation of artistic intellectuals that will provide, in time, a lineage to his as he interned under the infamous Leo Castelli and has curated shows at the Guggenheim in New York City while also writing about art for the Village Voice and the Los Angeles Weekly.  Presently I am working with Pier Paolo Scelsi and Valentina G. Levy, two Italian curators that have assembled the necessary structure to build the Giudecca Art District, the first permanent art district in Venezia. They have each curated brilliant exhibitions and are very forward thinking in not only how to present art in a localized area, but in how to bring different parts of the world together. The projects aren’t just localized in Giudecca, but also in Venezia proper and they are working on a multitude of projects around Europe and beyond in order to bring the energy of their efforts back to Venezia and I am extremely happy and lucky to be a part of the efforts. 

    During these months you have been living in Italy, in Venice, to follow your curatorial project in the “GAD” complex. Has Italian culture transmitted anything to you in your work? And for your future next projects?

    First of all, Italian culture and the people that I have met during my time in Venezia have taught me how little I know and how much I still need to learn. The classical education of Italians is astounding and their knowledge of art history is deep. I have listened to and watched what is going on all around me here. I know that there are people, ideas, knowledge and emotions that I will carry with me and that will influence not only my perceptions on art, but the emotional understanding of it in a new manner. I hope that I have also been able to impart something worthy to Venezia and to Italy as well. I feel at home here in a way I have never felt before and I am forever grateful for that.  Our next project will be in Milano in 2020, but I am not at liberty to share who the artists are yet. I do hope it is as evocative and prescient as what we we did here in Venezia with “There Are No Titans’ and with “We Are Humanity”. 

    To me, your whole project seems to be dealing with three specific words and CONCEPTS: RELATIONSHIPS, SPACES AND INFLUENCES. WHAT’S THE RELATIONSHIP BETWEEN?

    Relationships, spaces and influences are congruous elements that encompass a network by which to allow information and energy to traverse obstacles already in place or those that arise via miscommunication and biases. Relationships require transparency and trust, spaces house that trust in order to spark influences that are shared within that structure. This also means that there is potential to break outside of these parameters to exert the same energy in larger formats. That is the importance of these concepts.  In a way it is a matter of Consilience that, by definition, unifies various states of ethos and knowledge into a Zeitgeist which leads to larger influences if directed appropriately.  It is a lofty undertaking to attempt such a task, but without that kind of goal then how are movements created in the first place? And without those kinds of goals how does art move forward to represent us in totality? Relationships=Building Foundations, Spaces=Potential and Influences=The Creation of a Better Future

    Currently the exhibitions you are curated here at the GAD were called There Are No Titans & We are Humanity, open until August 11, with the artists Gig Depio, Tanner Goldbeck, Waseem Marzouki, Randi Matushevitz & Lilli Muller. Can you briefly tell us how was this project born and which results do you want to to achieve?

    We had the opportunity to exhibit through an invitation by Pier Paolo Scelsi of GAD. The invitation came just 2-3 months before the exhibition so I decided to contact three artists who I thought could make the biggest impact together and who also could make a statement, both separately and in unison, that supported GAD’s inaugural exhibition: Take Care of Your Garden: Cultivating a New Humanism. Upon speaking with Gig Depio, Tanner Goldbeck and Waseem Marzouki and gauging their enthusiasm for this exploratory exhibition in Venice we decided to just get it all together and go for it under the title There Are No Titans. The target for us was to make a pronunciation of how we view certain Hyperobjects; in the case of Depio it was the politics of the art world, American Capitalism and the fractious nature of our society. With Goldbeck, who created his conceptual works for this particular exhibition, it was using the color blue that once represented extremely wealth in Venezia and how the color represents abject poverty in the United States. Goldbeck also challenged the viewer’s notion of homelessness and how those that find themselves in such a situation are not wasted people, they are subjects of our own failures as a society to build them up instead of allowing them to be displaced and set into a system that largely ignores them. Marzouki’s works are emotional response to the Syrian Civil War. They are portraits within a maze of armaments, vehicles of destruction and the machinations of war, a war that the United States has struggled with over the last 8 years. That political struggle doesn’t match the struggle and /or the plight of the Syrians.  Randi Matushevitz is another artist for whom I have a great deal of respect. Her work is dystopian yet the message is one of hope. She is part of the exhibition We Are Humanity along with Lilli Muller. Matushevitz has come to a new level in her creative process and it is apparent in how she has been creating a new series of portraits that exhibit a deep understanding of the individual coping with the effects of modern day society. The first result that we are looking for is exposure, seeing how people respond to the  works , seeing if there are connections…after that is traveling to more places around the world and seeing what we can make happen in a positive fashion as a new movement…


    I would like to thank you for the opportunity and allowance to present a bit about myself and the things we are trying to do. In nature they are quite subversive, so much so that Disruptive Canvas was almost called Subversive Canvas (to go back to an earlier question). Disruptive Canvas just rolled off the tongue a bit better and also had the particular nuance I was looking for in terms of describing our movement properly. I sincerely hope that the answers I gave have resulted in an understanding worth the reader’s time. 

    Carlos Iglesias, Venezia, 01/07/2019

    To follow Carlos Iglesias’s projects and keep updated on his works, have a look at his Instagram and Facebook profile.

    L’altra faccia della Biennale: la galleria Studio la Città presenta le mostre “Recursions and Mutations” & “After J.M. W. Turner 1834 – 2019”

    L’altra faccia della Biennale: la galleria Studio la Città presenta le mostre “Recursions and Mutations” & “After J.M. W. Turner 1834 – 2019”

    Non solo Giardini e Arsenale per l’anno 2019 della Biennale di Venezia.

    La grande novità è infatti un’altra preziosa meta tutta da scoprire: l’isola della Giudecca che si propone come spazio del contemporaneo, dell’oggi, grazie a GAD (Giudecca Art District) e che vede l’apertura di un quartiere d’arte permanente che comprende ben undici gallerie d’arte ed uno spazio espositivo. Tra le tante mostre presenti in Giudecca, sicuramente meritano attenzione i due progetti espositivi proposti dalla galleria d’arte veronese Studio la Città: la collettiva Recursions and Mutations, nata dall’idea di Jacob Hashimoto e curata da Helene Hélène de Franchis e la personale del giapponese Hiroyuki Masuyama: After J.M.W Turner 1834-2019 nella quale, la parola “After”, va intesa non soltanto per indicare una fase posteriore rispetto a Turner ma piuttosto un diverso modo di rapportarsi ad esso, attraverso l’omaggio e la citazione.

    Addentrandoci nella prima sala, ci troviamo catapultati nel mondo di Masuyama, che fin da subito ci mostra il suo grande amore per il pittore inglese Turner. I suoi lavori infatti prendono ispirazione dalla pittura dell’artista inglese ed in particolare verso i dipinti che realizzò durante i suoi viaggi in Italia ma ricontestualizzandoli attraverso la tecnica fotografica. È una riflessione, quella di Masuyama, sul senso della ricerca di Turner, attratto dal suo modo di lavorare e dalla sua ossessione per la mutevolezza della luce; il suo lavoro quindi si propone come un dialogo costante tra passato e presente e si fa agente e testimone di questo grande pittore ottocentesco attraverso l’esplosione e la moltiplicazione di visioni della città lagunare in costante dialettica tra loro. I lavori di Masuyama infatti, light box di diverse dimensioni, rappresentano immagini molto complesse, costituite da centinaia di scatti fotografici sovrapposti, quasi delle stratificazioni iconografiche, in una commistione artistica dove l’arte dell’ottocento e la fotografia digitale del contemporaneo si uniscono in armonia. Le sue opere vengono sottoposte a continue frammentazioni, rotture, moltiplicazioni fino a trasformarsi nell’oggetto stesso dei racconti grazie anche al sofisticato montaggio che egli vi opera e portando dunque la sua opera in una forma di eterno presente privo di durata, attraverso un pluralismo stilistico in un regime in cui il nuovo si afferma come pratica di riscrittura del già visto. La logica e la struttura stessa delle opere diventano oggetto di riflessione; un arte non più innocente, che propone nuovi modelli di concettualizzazione e di rappresentazione della realtà che si riflettono in un estetica in cui tutto traspare in un rimando continuo ad una logica di un pensiero articolato nella successione temporale. 

    Accedendo invece alla sala superiore vi troverete davanti al secondo progetto espositivo: Recursion and Mutations che prende in esame alcuni processi di reiterazione e cambiamento nella pratica artistica. Gli artisti coinvolti sono Vincenzo Castella, Lynn Davis, Jacob Hashimoto e Roberto Pugliese che insieme hanno deciso di collaborare a questa mostra. La costruzione di una connettività sociale nel quale le loro opere vengono ricomposte e messe in dialogo, dando vita ad un processo di autenticazione intermediale, analizza come il processo, che comprende la ripetizione, il suo riscontro e il successivo atto di deviazione/mutazione, possa essere impiegato come dispositivo analitico per leggere la realtà che ci circonda. Un confronto e un dialogo non solo dal punto di vista meramente estetico ma anche nella metodologia che permette alle opere di intrecciarsi armoniosamente tra loro.

    Il primo elemento che cattura lo sguardo, anche a diversi metri di distanza, sono gli immensi aquiloni  di Jacob Hashimoto che ricoprono gran parte della sala; con The Dark Is not The Thing To Worry About, titolo dell’installatione che ha deciso di inserire all’interno della mostra, Hashimoto mette in relazione opere a parete con una grande istallazione site-specific costituita da centinaia di aquiloni in resina. La sua proposta espositiva esplora le intersezioni tra pittura e scultura, astrazione e figura, affrontando allo stesso tempo una delle sue più grandi preoccupazioni: le intrusioni digitali ed ecologiche nel mondo naturale e le sue ricerche sulle teorie post-umanistichee dell’antropocene culminando visivamente in sottile equilibrio tra naturale ed artificiale, analogico e digitale attraverso la destrutturazione di un legame vincolante e identitario tra forme testuali. 

    L’altra americana presente in mostra è la fotografa Lynn Davis, che parte da un approfondito studio degli iceberg e dei ghiacciai della Groelandia iniziato negli anni 80 e ci restituisce attraverso uno sguardo insolito una serie di fotografie che mostrano la mutazione ed il cambiamento del mare realizzati in sei viaggi nell’artico compiuti tra il 1986 e il 2016. Le sue fotografie sono scattate come se l’obiettivo della macchina fotografica dovesse immortalare la maestosità di un monumento, di un’imponente architettura antica e si caratterizzano per la volontà di riaffermare un legame denso tra l’arte e la realtà vissuta, orientato a ristabilire i modi di un realismo attivo. Una reazione consapevole orientata a ristabilire i modi in cui il cambiamento fa riferimento alla mutazione delle variabili climatiche che irreversibilmente ha prodotto la modificazione dell’assetto dei ghiacci. Questo impulso, in cui l’arte gioca il doppio ruolo di arbitro e di strumento di riqualificazione del valore dell’immagine nel suo riferimento alla realtà segna, come una necessità, molti dei suoi lavori.

    I due italiani presenti in mostra sono invece Roberto Pugliese, artista napoletano che con l’opera: Liquide emergenze future in dialogo soprattutto con le opere di Davis, parte da una riflessione sullo scioglimento dei ghiacciai e dell’innalzamento del livello del mare, causati dal riscaldamento globale. L’istallazione è composta da una ventina di ampolle in vetro soffiato sospese dal soffitto all’interno delle quali sono inseriti altoparlanti subacquei immersi in acqua ed elabora attraverso un sistema software i dati raccolti dalla stazione di monitoraggio maree di Venezia trasformandoli in suono. Un’arte, per Pugliese, che contempla cambiamenti destinati a ripercuotersi direttamente sul piano della forma, predisponendo nuove possibilità espressive, dove tecnologia e realismo emergono come due termini chiave che si prestano a descrivere gli orientamenti che meglio identificano il suo lavoro, tra una produzione che enfatizza la presenza e il ruolo della tecnologia, trasformandola al tempo stesso in tema, e una più orientata a riaffermare un contatto immediato con la realtà in diverse strategie di attestazione del reale. In occasione della mostra di Venezia l’artista napoletano realizza anche Acusma, una installazione concettualmente simile a quella precedentemente descritta ma che differisce per tre fattori: non ha una controparte visiva ma è solo sonora, i dati relativi al livello del mare non sono modificati in tempo reale ma si riferiscono ad un periodo di monitoraggio di tre mesi e di conseguenza riproduce una composizione finita e non un suono in costante mutamento. 

    Infine, le fotografie di Vincenzo Castella, ci raccontano come la mutazione sia una condizione presente nell’osservazione e nella registrazione del momento, attraverso lo scatto. In questa mostra, presenta due serie di fotografie in cui la natura gioca un ruolo centrale: in cattività all’interno di una serra ed incontaminata come nei paesaggi della Finlandia. Lo spettatore è chiamato ad aderire a un guardare che si carica di un certo valore documentale, segnato da un’esigenza di contemplazione e testimonanza. La ricerca dunque, per l’artista, di un codice della rappresentazione in grado di cogliere intensivamente lo scorrere del tempo, il suo manifestarsi e il suo durare. 


    • Recurisions and Mutations, 2019, installation view, foto Michele Alberto Sereni, Studio la Città
    • Hiroyuki Masuyama – after J.W.M Turner 1834-2019, 2019, installation view, foto Michele Alberto Sereni, Studio la Città
    AL DI LA’ DELLA PITTURA E DELLA SCULURA: la poetica spazialista di Fontana in mostra a Milano

    AL DI LA’ DELLA PITTURA E DELLA SCULURA: la poetica spazialista di Fontana in mostra a Milano

    Quando si parla di Lucio Fontana, il più delle volte, il collegamento immediato è ai suoi tagli e ai suoi buchi nella tela, a quell’atto di trasgressione che diviene reale sfondamento della superificie che lo assorbe in sè, come una ferita.

    “Io buco; passa l’infinito di lì, passa la luce, non c’è bisogno di dipingere. Invece tutti hanno pensato che io volessi distruggere: ma non è vero, io ho costruito, non distrutto.”

     Eppure, è indubbio e forse poco conosciuto, il suo ruolo anticipatore nelle ricerche caratterizzate dal superamento della normale concezione dell’opera tridimensionale per arrivare alla cosìdetta poetica spazialista. Ed ecco che, per la prima volta dopo la sua scomparsa, l’Hangar Bicocca di Milano riporta in vita gli Ambienti Spaziali di Lucio Fontana nella mostra Ambienti/Environments”, inagurata il 21 settembre 2017 e visitabile fino al 25 febbraio 2018, a cura di Marina Pugliese, Barbara Ferriani e Vicente Todolí e organizzata in collaborazione con Fondazione Lucio Fontana. Sono presentate al pubblico dieci installazioni ambientali realizzate dall’artista, che in passato venivano distrutte dopo la loro esposizione e assumevano quindi un carattere effimero e che oggi sono state ricostruite, in occasione della mostra, attraverso accurate ricerche d’archivio.
    Quando ne sono venuta a conoscenza non ho potuto resistere e mi sono immediatamente catapultata nei suoi magici e surreali spazi, microcosmi avvolgenti che ospitano lo spettatore in un’atmosfera quasi surreale ed intima che si trasforma in un viaggio, in un viaggio di evasione, dall’esterno all’interno.

    Ma prima, conosciamo un po’ l’artista:

    Lucio Fontana nasce a Rosario, in Argentina, nel 1899 e già poco più che ventenne comincia la sua attività artistica lavorando nell’officina del padre. Legato inizialmente alle poetiche informali, ma da sempre con una posizione di transizione, si interessa sempre di più ad un linguaggio concreto, a contatto con la materia. Il suo Manifesto Blanco, oggi considerato il testo teorico e il punto di inizio dello Spazialismo, lo persuade a superare quella soglia della superificie della tela e ad avventurarsi nello spazio, investigando più di tutti i concetti di materia, spazio, luce e vuoto utilizzando con teorica lucidità i materiali più diversi per estendere i confini dell’arte.

    “Per questo chiediamo a tutti gli uomini di scienza del mondo, i quali sanno che l’arte è una necessità vitale della specie, che orientino una parte delle loro investigazioni verso la scoperta di questa sostanza luminosa e malleabile e di strumenti che producano suoni che permettano lo sviluppo dell’arte tetradimensionale.”

    – Tratto dal Manifesto Blanco, 1946, Buenos Aires.

    Fin dagli anni ’30, quindi, Fontana ha dedicato le sue ricerche verso tematiche che avrebbero dato vita allo spazialismo (fondato proprio da lui in Italia nel 1947) e realizzando anche opere concepite all’interno di architetture esistenti in collaborazione con architetti molto importanti. Anche se, è bene ricordare come l’arte ambientale e spaziale ha dei punti di partenza importanti già dalle prime avanguardie, in particolar modo dal futurismo, nel quale Boccioni, nel suo manifesto della scultura futurista del 1912, affermerà come non vi possa essere rinnovamento se non attraverso la scultura d’ambiente venendo quindi ad ipotizzarsi una dialettica relazionale tra l’opera d’arte e l’ambiente che la circonda, fino ad arrivare agli interventi spettacolari in territori naturali della land art.

    Ma torniamo alla Mostra:

    La mostra riunisce per la prima volta due interventi ambientali e nove ambienti spazali realizzati dal 1949 fino all’anno della sua scomparsa nel 1968 e disposti in ordine cronologico.
    Tra i vari ambienti presenti vediamo anche il suo primo ambiente “Ambiente spaziale con forme spaziali ed illuminazione a luce nera” del 1949 esposto alla galleria il Naviglio di Milano, che si mostra come una sala dipinta di nero e con sospese nel vuoto delle forme astratte organiche colorate, emergenti dal buio come presenze fluorescenti grazie alla luce di Wood.

    “E’ stato il primo tentativo di liberarsi di una forma plastica statica – l’importante era non fare la solita mostra di quadri e sculture ed entrare nella polemica spaziale”.

    Dopo questo primo ambiente, Fontana ha continuato a sviluppare questa tipologia proseguendo con la sperimentazione utilizzando il vuoto e la luce come mezzi per generare spazi introducendo tecniche e materiali innovativi come il neon o la vernice fluorescente. Tutti gli ambienti spaziali presenti riflettono i temi più cari alla poetica di Fontana come lo sfalsamento percettivo fisico e visivo dello spazio e soprattutto la costruzione di corridoi e spazi labirintici.


    Visitare la mostra è un’esperienza sensoriale che ti travolge, ti senti completamente spaesato, isolato con te stesso; potrei definirlo un trauma positivo, una provocazione psicologica, grazie alla maestria di Fontana che riesce a trasformare radicalmente la percezione dello spazio architettonico esistente. Un superamento determinato da un profondo spostamento di attenzione verso la dimensione dello spazio ambientale. Sono ambienti praticabili e percorribili che alle volte ti costringono a posizioni scomode per poterli visitare, altre volte invece caratterizati da superfici calpestabili morbide, determinando un disorientamento percettivo e sensoriale, che da neutri diventano sempre più ricchi di pathos. La musica di sottofondo inoltre contribuisce ad aumentare questo senso di irrequietezza e di squilibrio  che ti accompagna per tutta la durata della visita.

    Fontana quindi gioca con noi, gioca a farci percorrere questi universi, questi mondi labirintici in cui perdersi, in cui le coordinate spaziali saltano, in un’immersione temporanea in uno spazio “altro” attraverso un’esperienza estetica e allo stesso tempo spirituale e sensoriale. Infondo, come dice lo stesso Germano Celant: “L’arte crea uno spazio ambientale nella stessa misura in cui l’ambiente crea l’arte.”